Sordos y cultura en el DF

Ofrecen a sordos centro cultural

Asigna la Cámara baja 6 millones de pesos a la sede en La Lagunilla; pretenden inaugurar la primera etapa en 2013

Erika P. Bucio

Ciudad de México (9 febrero 2012).- La compañía Seña y Verbo, dedicada desde hace casi 20 años a promover la lengua y la cultura de los sordos, contará con una sede propia en el Centro Histórico.
La Cámara de Diputados asignó este año 6 millones de pesos al Centro Cultural para Sordos de México.

"Va a tener un centro de documentación e investigación sobre la Lengua de Señas Mexicana y la historia de los sordos de México", anticipa Alberto Lomnitz, fundador de Seña y Verbo.
Aunque hay investigadores en instituciones educativas que trabajan con la Lengua de Señas Mexicana, con esta iniciativa buscan ampliar el acceso a la comunidad.

"Si vamos a hacer un centro cultural de sordos, es el lugar lógico para hacer este centro de investigación", acota Lorena Martínez, gestora del proyecto.
El centro contará con salones, talleres, cafetería, tienda y un foro para artes escénicas donde se presentarán obras de Seña y Verbo, pero no de manera exclusiva.
"La idea es que sea un espacio abierto a la comunidad teatral y a las actividades escénicas que vengan de la misma comunidad de sordos", añade Lomnitz, director artístico de la compañía.
El proyecto implica rehabilitar una casona de la segunda mitad del siglo 19, en Paraguay 55, en la Lagunilla, de la que se mantiene en pie la fachada y algunos muros.
Catalogado como monumento histórico, el predio es resguardado por el Fideicomiso del Centro Histórico, luego de que la Beneficencia Pública accediera a darle un nuevo uso.
"No fue fácil encontrar a los propietarios del edificio y después de rastrearlo, resultó estar en el catálogo de propiedades de la Beneficencia Pública, que manifestó su disposición para ser restaurado", dice Inti Muñoz, director del fideicomiso.
Lomnitz estima que la restauración arrancará en la segunda mitad del año, una vez que reciban los recursos asignados. En una primera etapa planean habilitar algunos salones y oficinas donde empezar a operar.
"Esperamos para 2013 estar inaugurando una primer crujía y la fachada", puntualiza el director escénico.
La fachada está apuntalada con una estructura metálica, con lo que se ha eliminado el riesgo de colapso. Perdió su apoyo cuando se erigió el edificio de viviendas contiguo, construcción que invadió el terreno de Paraguay 55, describe Javier Olmos, líder de proyectos del fideicomiso.
Casi nada queda de la cubierta y apenas sobreviven algunos muros íntegros. Las lluvias han provocado el reblandecimiento del tepetate, material con el que fueron construidos.
En el interior se acumulan escombros, basura y vegetación, señal del abandono. Se pueden observar las estructuras añadidas en diferentes épocas por sus ocupantes para habilitarlo como vivienda.
Un vigilante asignado por el fideicomiso resguarda el acceso para impedir que sea invadido.
La restauración, que deberá seguir los lineamientos del Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH), pretende devolver al inmueble su sabor histórico al retomar la idea del patio central y recuperar los muros que aún están en pie, describe el arquitecto José Amozurrutia.
"Queremos trabajar con la tipología urbana del Centro (...) estamos hablando de poco menos de mil 500 metros cuadrados de construcción", añade Amozurrutia, al frente del equipo que desarrolla el proyecto arquitectónico.
Su pretensión es darle vida pública al edificio, cumpliendo con el objetivo trazado por Seña y Verbo de hacer del centro cultural un sitio de reunión para los sordos.
Lomnitz estima que la intervención arquitectónica costará alrededor de 30 millones de pesos y demorará tres años.
Buscan reducir el 'ruido visual'
El proyecto de restauración atenderá las necesidades de los sordos. Dado que no escuchan, se apoyan en la vista para comunicarse.
Un punto esencial es reducir al máximo los grandes ventanales.
"Para los sordos el ruido es visual, es preferible que no tengan estas vistas hacia un gran movimiento", ejemplifica el arquitecto José Amozurrutia.
En las salas de juntas es mejor utilizar mesas circulares donde todos los asistentes puedan verse. Los llamados de atención, añade, se hacen con lámparas.
Mientras que en los salones de ensayo se deben instalar pisos que no sean duros, pues los actores se comunican dando zapatazos sobre el suelo.

Kusturica abre espacio al cine no comercial en su villa de los Balcanes

Juan José Olivares

Enviado

Periódico La Jornada

Miércoles 18 de enero de 2012, p. 9

Mokra Gora, Serbia, 17 de enero. “Yugoslavia ya no existe.” Esta es una frase del guión de la película Underground, del cineasta serbio Emir Kusturica, quien a lo largo de sus filmes y en entrelíneas ha narrado la situación contemporánea en la región de los Balcanes, convulsionada por problemas geopolíticos, religiosos y sociales.



Los Balcanes, palabra que significa montañas, ha sido una frontera natural y cruce entre civilizaciones de oriente y occidente. Los conflictos bélicos (como la división de Yugoslavia y la independencia de la región de Kosovo) de finales de los años 80 y toda la década de 1990, entre serbios, bosnios y albaneses, trajeron miles de muertes y la destrucción de ciudades y pueblos enteros, entre los que estaba el de Kusturica, cerca de Sarajevo, hoy capital de Bosnia y Herzegovina.



La historia de esta región es compleja y habría que regresar la memoria a tiempos antes de Cristo, con las primeras invasiones de griegos, romanos y otomanos (posteriomente, a partir del siglo XIX, de los austro-húngaros), para entender el karma de distorsión social que se ha vivido en la zona, con una geografía de por sí complicada.



Premio a la reconstrucción



Kusturica perdió su pueblo cuando la guerra, pero años después, entre sus periplos por la región y buscando locaciones para uno de sus filmes –La vida es un milagro–, encontró una de tantas villas que existen en los Balcanes, ubicada en la región de Mokra Gora, en Serbia, no lejos de la frontera con Bosnia. La villa estaba destruida al igual que muchas, pero le sirvió para su rodaje. Sin embargo, luego de algunos años de haber filmado esa cinta, y con la nostalgia de lo perdido, decidió regresar al lugar para fundar su propia aldea: Küstendorf.



El nombre de Küstendorf proviene de un posible juego de palabras en alemán elegido por el propio Kusturica: podría significar Villa en la Costa (irónicamente, pues está en el corazón de las montañas), pero también puede ser una ambigüedad divertida que lo ha llevado a decir: la Villa de Kustu, como de cariño se llama al cineasta. De entrevista en entrevista ha dicho que se llama Drvengrad, que significa Villa de Madera, pero también Mecavnik (por el nombre de un pueblo cercano), aunque uno de los nombres más recientes que le ha dado es Sharingrad, Villa Multicolor.



La realidad es que Küstendorf es el nombre oficial, pues desde que se inició su reconstrucción –cuya arquitectura obtuvo el premio Philippe Rotthier, en 2005– se concibió como un centro cultural en el que se organizan, desde hace unos años, seminarios para la gente que quiere aprender a hacer cine, y como foro en el que se realizan conciertos, así como talleres de pintura y cerámica.



Es el lugar en el que Kustu decidió vivir (cuando no está en festivales por todo el mundo) y en el que “la gente interesada vendrá de vez en vez. Siempre soñé con abrir un lugar con una diversidad cultural que representara todo lo contrario a la globalización”, plantea Kusturica, quien imaginó lo que ahora tiene Küstendorf: una especie de mini escuela de cine (que se inició en 2005 con un taller impartido por él a unos 30 estudiantes de todo el mundo), una estancia ecoturística, restaurantes y cabañas para él, su familia, amigos e invitados, entre los que ahora está La Jornada.

Desde 2008 se realiza en esta villa el Festival Internacional de Cine y Música Küstendorf, que se inauguró anoche y que no tiende alfombra roja para ser recorrida por los grandes nombres del cine mundial, como dijo Kusturica luego de la inauguración, acompañada de una tremenda nevada, que no mermó el ánimo de los presentes. Más bien es una reunión del cine no comercial: la competencia oficial muestra trabajos de estudiantes de algunas partes del mundo, quienes compiten por el galardón llamado el Huevo de Oro.



Por las veredas –ahora repletas de nieve y cuyos nombres se dedican a cineastas como Andrei Tarkovsky, Branislav Nusic, Jean Vigo, Nikita Mikhalkov, Federico Fellini, Ingmar Bergman, Lucino Visconti o Bruce Lee– desfilan algunos de los jóvenes invitados, así como realizadores y actores de renombre en el mundo del cine al margen de Hollywood.



Invitados destacados



En esta edición brilla la presencia del neoyorquino Abel Ferrara, destacado realizador independiente; también estará Kim ki-duk (a quien se reconoció con un galardón especial), sobresaliente director y guionista de Corea del Sur, premiado en Cannes, al igual que el turco Nuri Bilge Ceylan, autor de Una vez en Anatolia, quien recibió el gran premio de ese festival francés en su edición pasada. También estarán los hermanos belgas Jean-Pierre y Luc Dardenne, dos veces ganadores de la Palma de Oro, máximo reconocimiento del festival galo, cuyo director, Thierry Frémaux, ofreció una breve clase con todo e imágenes de los hermanos Lumière, oriundos de Lyon, “donde se originó el séptimo arte”, aseguró el titular de ese festival en el acto inaugural.



De Francia también estará Isabelle Huppert, una de las actrices más reconocidas en las pantallas del país galo, quien ha protagonizado cintas que han recorrido el mundo, como Madame Bovary, de Claude Chabrol.



La música, esencial



La música no podía faltar en una reunión creada por Kusturica, porque “sin ella no sabría qué hacer”, dijo.



Cinco noches estarán dedicadas a la expresión sonora. La primera será para los rusos Pelageya, quienes crean folclor aderezado con rock alternativo. También se presentará El Trío Rosenberg, de Holanda; se trata de tres primos que desde niños hacen una especie de jazz gitano. Stribor Kusturica and the Poisoners desarrollará su kitsch soul: diálogo entre los sonidos serbios y gitanos de los Balcanes. Adam Stinga ofrecerá un concierto la cuarta noche; es uno de los más reconocidos trompetistas de Moldavia.



De Serbia, la quinta esencia de las bandas: la Boban and Marko Markovic Orchestra demostrará por qué es considerada una de las agrupaciones líderes de la región desde los años 80. Cerrarán los conciertos los mexicanos de Sonido Gallo Negro y su cumbia sicodélica, que seguro hará bailar a cualquier eslavo por rígido que sea.

Ambulante 2012 INFORMA:

En esta ocasión, les presentamos dos secciones que formarán parte de Ambulante Gira de Documentales 2012:

OBSERVATORIO: sección de cine documental contado desde diferentes latitudes que plantea formas alternativas de advertir y plasmar realidades, contará con los siguientes documentales.
Abuelita Lo-fi de Kristín björk Kristjánsdóttir, Orri Jónsson y Ingibjörg Birgisdóttir.
A los 70 años, Sigríour Níelsdóttir ocmenzó a grabar y difundir su propia música desde la sala de su casa. Siete años más tarde, con 59 álbumes y más de 600 canciones, se ha convertido en una figura de culto en al escena musical islandesa.
Acción lenta de Ben Rivers.
Cinta de ciencia ficción post-apocalíptica que cruza la frontera entre el documental, el estudio etnográfico y la ficción. Una reflexión sobre el concepto de la Tierra dentro de cientos de años, que juega con la forma en que evolucionan las utopías en las mini-sociedades surgidas en islas después de un elevación extrema del nivel de mar.
Tabloide de Errol Morris.
Joyce McKinney, una antigua reina de belleza, persigue al hombre de sus sueños alrededor del mundo hasta convertirse en noticia en las páginas principales de la prensa sensacionalista de Londres. La obsesión de Joyce la arrastra a un mundo surreal donde se encuentran mormones maniatados, modelos de bondage y un secreto armado.
Bosque Irreal de Jakrawal Nilthamrong.
Un cineasta tailandés le pide a un cineasta africano que filme un cortometraje sobre un padre que busca ayuda de un chamán que baila con los espíritus para curar a su hijo enfermo; todo el proceso es registrado e incluido en este filme. Esta cinta sobre la magia de hacer cine es la propuesta de Jakrawai Nilthamrong para el proyecto "Olvídate de África".
Bajo Nieve de Ulrike Ottinger.
En la región japonesa de Echigo, la gente vive bajo la nieve durante la mitad del año. Por esta razón, han desarrollado una forma de vida muy original, así como costumbres, fiestas y celebraciones religiosas particulares.
Vivan las antípodas de Victor Kossakovsky.
Con imágenes deslumbrantes y un montaje asombroso, esta cinta nos lleva en una travesía alrededor del globo a cuatro pares de antípodas (lugares ubicados diametralmente opuestos en la Tierra), presentándonos ocho historias de alguna extraña manera conectadas entre sí.
AMBULANTITO: es un espacio para que los niños, niñas y jóvenes de corazón absorban miradas globales que los transporten a realidades remotas. Este año presentamos un programa de ocho filmes que exploran el concepto de la alteridad desde distintas perspectivas: talentos individuales, luchas personales, encuentros entre distintas culturas y la distinción respect al mundo animal. Los documentales que conforman esta sección son:
Migrópolis de Karolina Villarraga.
En este corto animado, niños, niñas expatriados cuentan su historia mediante sus recuerdos, historias familiares, aventuras pasadas y sus particulares nociones sobre la distancia y el olvido.
Botella de Kristen Lepore.
Esta animación cuadro por cuadro, realizada en la playa, en la nieve y bajo el agua, ilustra una conversación transoceánica entre dos personajes que se comunican mediante objetos dentro de una botella.
La película de animales de Grant Munro.
Una animación que ayuda a los niños a explorar cómo y por qué los animales se mueven de cierta forma.
Cuatro ojos de Jean-Claude Rozec.
Malas noticias: Arnaud debe usar unos enormes e incómodos lente que no le gustan. Él prefiere vivir en el mundo de la miopía, un mundo lleno de monstruos y unicornios y otras criaturas fantásticas creadas por su imaginación.
En calle de Carlos Azcuaga.
En este primer episodio de la serie animada En Calle, Aldair nos cuenta cómo es un día en su vida viviendo afuera del metro Barranca del Muerto, y cómo puede encontrar apoyo y amigos incluso en las situaciones más difíciles, y considerarlos familia.
Hermanito de Callum Cooper.
Un adolescente se esconde tras su discapacidad auditiva para escapar de su rutina diaria y de la responsabilidad de cuidar a su hermano menor, quien tiene que usar una silla de ruedas.
Me dicen Breakstein de Sameer Al Jaberi.
Este corto documental sigue a un joven breakdancer de los Emiratos Árabes, quien se pavonea con sus movimientos con los minaretes de las mezquitas musulmanas como tela de fondo. A pesar de su pasión por este baile, no ha perdido sus raíces ni tradiciones.
Anne voladora de Catherine van Campen.
Anne, una linda niña de 11 años, padece síndrome de Tourette. Esto provoca que su cuerpo haga cosas que no quiere, como empezar a dar vueltas de repente o lamer ciertos objetos. Ana prefiere "volar" por la vida para que no noten sus "tics" ni se rían de ella.
Estas secciones se presentarán de forma gratuita en sedes paralelas.
Consulta la programación completa a partir del 1 de febrero en www.ambulante.com.mx

Tamales de Chipil en el Metro Bellas Artes!!! (Part. 1)

Tamales de Chipil en el Metro Bellas Artes!!! (Part. 2)

Tamales de Chipil - Libelula - Un Largo Camino 2011

Anuncian la 53 Muestra Internacional de Cine

El encuentro organizado por la Cineteca Nacional del Conaculta tendrá lugar del 4 al 25 de noviembre

Continúa Cineteca "apoyo al cine de calidad"
Rosario Reyes (El Financiero)

Martes, 25 de octubre de 2011

Las razones del corazón, de Arturo Ripstein, abrirá la cita, que se llevará a cabo del 4 al 25 de noviembre en la Cineteca Nacional y otras sedes capitalinas. La 53 Muestra Internacional de Cine incluye producciones recientes de Olivier Assayas, Nuri Bilge Ceylan, Béla Tarr, Bruno Dumont, Aleksandr Sokúrov y Aki KaurismáKi, anunció Paula Astorga, directora de la Cineteca. Ripstein es el único mexicano programado este año.

Acompañada por Nelson Carro, programador de la Cineteca, así como por Roberto Fiesco y Arcelia Ramírez, productor y actriz de Las razones del corazón, Astorga anunció la adquisición de siete de los 18 filmes incluidos en la Muestra, los cuales serán estrenados en los próximos meses.

"Se trata de dar continuidad a esta estrategia de apoyo al cine de calidad, pues tanto los filmes incluidos en esta edición de la Muestra, como los materiales adquiridos, fueron elegidos porque de otra forma no serían proyectadas en México, además de que poseen una gran calidad.

"En otro sentido, me gustaría resaltar que para la compra de estas películas contamos con el mismo presupuesto que el año pasado, cuando obtuvimos 11 filmes, para de esa manera ofrecer al público propuestas que dan cuenta de las tendencias estéticas y narrativas de vanguardia".

Astorga detalló que la Cineteca también adquirió el documental El lugar más pequeño, de Tatiana Huezo, como parte de un acuerdo de colaboración con el Centro de Capacitación Cinematográfica.

Las cintas adquiridas son: Carlos, de Olivier Assayas (Francia-Alemania), de la cual se mostrará la versión para cine, mientras que los nueves capítulos filmados para televisión se transmitirán por Canal 22, también en noviembre.

Venus negra, de Abdellatif Kechiche (Francia-Bélgica); Había una vez en Anatolia, de Nuri Bilge Ceylan (Turquía-Bosnia); Fausto, de Aleksandr Sokúrov (Rusia); Elena de Andréi Zviáguintsev (Rusia); Himizu, de Shion Sono (Japón); y Misterios de Lisboa, Raúl Ruiz (Portugal-Francia).

El resto de las películas incluidas en esta ocasión son Las razones del corazón, de Arturo Ripstein (México); El caballo de Turín, de Béla Tarr y Ágnes Hranitzky (Humgria); En un mundo mejor, de Susanne Bier Dinamarca); Confesiones en el diván, de Percy Adlon y Felix Adlon (Francia).


El hombre de al lado, Mariano Cohn y Gastón Duprat (Argentina); Le Havre, Aki Kaurism?ki (Finlandia-Francia-Alemania); Fuera de Satán, de Bruno Dumont (Francia); El chico de la bicicleta, de Jean-Pierre y Luc Dardenne (Bélgica-Francia-Italia); Detachment, Tony Kaye (EUA); When you're strange. Una película de The Doors, de Tom DiCillo (EUA) y El planeta más solitario, de Julia Loktev (EUA-Alemania).

A partir del 7 de diciembre, la selección comenzará un gira por la República, en ciudades como Oaxaca, Orizaba y Jalapa.

Cena y Pelí.

Sexto Festival de Cine Documental

Presentación


El cine en presente plural

Aparten las fechas. Del 29 de septiembre al 9 de octubre vuelve a las calles el Festival Internacional de Cine Documental de la Ciudad de México (DocsDF). Y para celebrar su sexta edición viene cargado con muchas novedades, pero sobre todo con buenos documentales. Además de innumerables actividades y eventos, la programación de DocsDF es una gran opción para huir, por unos días, del empaquetamiento al que las grandes compañías cinematográficas someten a los espectadores, las cuales fijan el valor de sus contenidos con el único argumento de la supremacía taquillera.


El documental siempre ha sido estereotipado, pero afortunadamente no se reduce a los animales exóticos y paisajes silvestres que vemos en la televisión.


Este género ofrece mucho más y permite disfrutar de buena cinematografía, descubrir nuestro mundo y sorprendernos… siempre sorprendernos. Es un llamado a despertar la curiosidad de las personas.

Pese a las pocas oportunidades de distribución y exhibición existentes, no sólo en México, los documentalistas no paran. Lejos del derrotismo, de la realidad mercantil de la cultura, la producción aumenta y para mejor. Como bien apostilló hace algunos años la revista Emeequis de este festival: «mientras los hombres generen historias, ahí estarán los documentalistas».


130 documentales ofrece DocsDF este año. 130 formas de ver la vida y entender el mundo. 130 puntos de vista y maneras de contar historias. Cada quien puede entender estos documentales e interpretarlos como le parezca y ahí radica, en parte, la riqueza del cine de no ficción. Déjense transportar a otras culturas, a otros lugares. Conozcan personajes que no conocían y amplíen sus horizontes. Vean el mejor cine documental del año y disfruten del cine en presente plural.


Pasen y vean. Esto apenas va a comenzar

Inicia Festival Radar en la UNAM

http://http//www.radarunam.org/

Con sonidos electrónicos creados a partir de un programa de computadora y una consola, a cargo del artista Morton Subotnick, de Estados Unidos, acompañado por videos de Lillevan, de Alemania, inició anoche Radar UNAM Festival de Exploración Sonora, en la Sala Miguel Covarrubias del Centro Cultural Universitario.

Ante casi un lleno, los creadores plasmaron su creatividad en el mundo del arte electrónico y de visual, cada uno en su ámbito, generando un discurso único sobre el escenario.
En el acto, Sealtiel Alatriste, coordinador de Difusión Cultural de la UNAM, y José Wolffer, director de Radar, destacaron el encuentro sonoro que reúne a destacadas figuras internacionales y nacionales, como Subotnick y Lillevan, quienes cautivaron a los asistentes por la creatividad y talento de sus propuestas en tiempo real.
Sobre el foro, el estadounidense y el alemán compaginaron su trabajo de una manera brillante, pues en el momento en que se escuchaban los sonidos que, por ejemplo, parecían cantos de aves, Lillevan creaba a través de su computadora las imágenes correspondientes que se proyectaban en una gran pantalla colocada en la Sala.
Así, se proyectaron en la sala imágenes abstractas que poco a poco se convertían en cuerpos geométricos, como triángulos, que aparecían y desaparecían al momento de cambios de sonidos.
Morton Subotnick, pionero estadounidense de la música electrónica, mostró su versatilidad y ritmo en el escenario, pues de notas muy graves podía pasar a otras agudas, así como llegar a sonidos muy fuertes como de 'heavy metal' y aterrizar en una sincronía baja.
De esta manera, ambos artistas dieron una cátedra de música electrónica y de video, que cautivaron al público, que al final del concierto ovacionó el inicio de Radar UNAM Festival de Exploración Sonora.
El encuentro se realizará hasta el 2 de octubre próximo y continuará hoy 28 de septiembre en el Espacio de Experimentación del Museo Universitario Arte Contemporáneo, a través del artista mexicano Antonio Fernández Ros, quien presentará el estreno 'Glossa, o el sonido del lenguaje'.

Mónica Ae

Mónica Ae

Carlos-Blas Galindo
Jueves, 29 de septiembre de 2011
EL FINANCIERO

•México pop.
en recuerdo de Shifra M. Goldman (1925-2011)


Como se sabe, el arte contemporáneo de avanzada no obedece a los paradigmas "más recientes" del arte occidental, los cua- les, pese a ser los imperantes en el campo artístico, datan de los años ochenta del siglo pasado. Pero aun cuando a la fecha este arte nuevo no es fácilmente reconocible, pues todavía no cuenta con movimientos ni corrientes específicos, es posible detectarlo por contraposición a los parámetros que sustentaron las fases vanguardista (1901-1950), neovanguardista (1951-1980) y postvanguardista (la de 1981 al día de hoy) de la historia. La obra pictórica de Mónica Ae está en concordancia con esos novísimos paradigmas que animan a quienes, como ella, son artistas de avanzada. Así, por ejemplo, su obra está más allá -o más acá- de lo global, pues apuntala lo postoccidental y lo postcolonial; de ahí que sea abierta, expandida, transcultural y heterogeneizante.


La de Mónica Ae es una obra vinculada con lo pop, ya que concuerda con esa tendencia que ha sido permanente desde los cincuenta y sesenta de la anterior centuria, cuando el arte pop británico y estadounidense transformaron el ámbito artístico internacional. Pero asimismo está basada en la trasposición tanto de imágenes y grafismos que forman parte de la esfera estética en comunidades urbanas, como también de citas al arte callejero, a las mercancías maquiladas, a las artesanías y a los productos de las industrias culturales, con lo cual elude el artecentrismo y esa solemnidad que ha prevalecido -con raras excepciones- en el campo artístico.


Si en las pinturas que conforman la exposición individual de Mónica Ae -intitulada México pop- hay citas retro es porque esta autora va más allá de lo generacional que fue dominante en las épocas neo y postvanguardista, aporte sesentero que a la postre devendría una especie de fatalidad. De ahí la presencia de cierta psicodelia y de cierto posthippismo. Si las obras de esta artista son incluyentes y si hay en ellas alusiones a la diversidad es porque la suya es una visión femenina de la realidad. No se me malentienda: esto no tiene que ver sólo con aspectos de género ni de orientación sexual. No me refiero al arte "hecho por mujeres", sino a esa visión femenina que alumbra la ruta del arte contemporáneo de avanzada y con el que se busca contrarrestar los nocivos efectos de la dominación ideológica masculina que ha animado la producción vanguardista, neovanguardista y postvanguardista; e incluso mucha de la producción elaborada por artistas mujeres en el pasado.


Mónica Ae consigue lo anterior mediante la elusión de categorías estéticas como las de lo tosco o lo rudo y su sustitución por la de lo placentero. O la de lo cómico, sustentado en los juegos de palabras, en varios idiomas, que emplea. Aunadas a las virtudes mencionadas, esta artista ha hecho acopio de un amplio bagaje pictórico, que resulta del todo congruente con sus afanes expresivos y con los temas que elige. Sus trazos, líneas, áreas, recuadros, calidades, manchas, efectos, direcciones y superposiciones son abundantes, y ella los aplica en una combinación de vigor y delicadeza. Las pinturas y el dibujo sobre muro que Mónica Ae expone en el museo Británico Americano en México (BAM) -hasta el 14 de octubre- permiten constatar el virtuosismo, la determinación, la audacia y el esmero que ella ha conseguido en sus obras. Se trata de ejemplos incuestionables del arte contemporáneo de avanzada.


El museo BAM está en Artículo 123 número 134, en el Centro Histórico del DF y está abierto de martes a domingo de 10 a 14 y de 15 a 17 horas.

Short, Shorts Film Festival

Checa la cartelera completa así como las sedes y los precios dandole click a la imagen:



PERFOMAGIA.

Editan una historia sobre el performance.
Por Sonia Ávila

sonia.avila@nuevoexcelsior.com.mx

En la década de los setenta, en calles, parques o explanadas públicas jóvenes presentaban acciones escénicas que negaban se tratara de teatro, pero usaban su cuerpo como única herramienta de expresión; primero lo llamaron happening y más tarde performance o arte acción.


“Eran grupos o colectivos que desafiaban el estatus del arte tradicional y cuestionaban los valores mercantiles de la corriente oficial con un arte que usaba el cuerpo”, explicó A ntonio Barquet, coordinador de Performagia, encuentro de esa disciplina en el Museo Universitario del Chopo, que este año llega a su séptima edición.


Primero como crítica a las instituciones y luego como un ejercicio estético multidisciplinario, el performance se caracteriza, desde su inicio, como un arte efímero que proyecta el pensamiento del ser humano, agregó Barquet, para quien el arte acción mantiene su espíritu provocador.

De ello da cuenta la serie de libros Performagia, editados por el museo, donde se documentan los últimos siete años del performance en México. En cada uno de los siete volúmenes se ofrecen las transcripciones de charlas, talleres y acciones que han integrado las ediciones del encuentro.

Es un arte que el propio artista desarrolla en tiempo real, pero no es objetual y de ahí la importancia de que trascienda a través de un registro documental, como las memorias que editamos que igual ofrecen un panorama teórico de lo que fue y es en general”, precisó Barquet.

Convencido de que la disciplina ya se consolidó en el público y la crítica, el especialista detalló que fue hacia finales de los años ochenta cuando el performance dejó de ser un arte “impugnado” y comienza a llegar a galerías y museos con artistas más consolidados y no sólo jóvenes experimentales.

Sitios como el Laboratorio Arte A lameda, el M useo Experimental El Eco o el Ex T eresa Arte A ctual abrieron sus espacios a las nuevas propuestas. Entonces el arte acción se apropia de otros recursos estéticos como la música, la danza e incluso las artes pláticas para apoyar la expresión corporal y uno de sus logros, a decir de Barquet, es integrar al espectador en la acción.

Aunque no es una condición, el performance ya con el desarrollo se fue convirtiendo en un arte multidisciplinario, claro que dependen de cada artista los recursos que utilice para expresarse o las formas y temas; puede ser bizarro, tener una estética kitsch, ser erótico, reflexivo o con mensaje político; es como el pensamiento de cada ser humano”, comentó.

Aunque en los ejemplares no hay un texto en general sobre la historia del arte acción, Barquet explicó que las conferencias de teóricos, críticos y artistas van desmenuzando el fenómeno artístico, para que cualquiera lo entienda.

Durante el festival de este año, cada día se presentará un libro, con una mesa redonda y la exhibición de piezas en vivo y video. Entre los invitados especiales destacan M aris Bustamante, Alfredo Bellfiore, Katnira Bello, María Eugenia Chellet y Martín Rentería.

¿DÓNDE Y CUÁNDO?

Performagia se presentará del 1 al 11 de septiembre en el Museo Universitario del Chopo. Dr. Enrique González Martínez 10, colonia Santa María la Ribera.

Entrada libreinstituciones y luego como un ejercicio estético multidisciplinario, el performance se caracteriza, desde su inicio, como un arte efímero que proyecta el pensamiento del ser humano, agregó Barquet, para quien el arte acción mantiene su espíritu provocador.

Octavo encuentro internacional de Cine Documental

Presentandose en la Cinéteca Nacional del 28 de julio al 5 de agosto

Checate la cartelera dandole click a la imagen:

Rendirán homenaje al flautista Horacio Franco

La Delegación Álvaro Obregón entregará al artista una placa conmemorativa por su desempeño en el ámbito cultural

Por su desempeño, labor, conocimiento sobre la música docta y la simpatía que despierta entre la comunidad cultural, el Consejo de Cultura de la Delegación Álvaro Obregón rendirá un homenaje al flautista mexicano Horacio Franco, el próximo 13 de febrero, en el Parque de La Bombilla.


Así lo dio a conocer Sally de Perete, directora de Cultura de esa demarcación, quien comentó que el solista, considerado uno de los músicos clásicos mexicanos más exitosos a nivel internacional, recibirá una placa conmemorativa por parte del jefe delegacional Eduardo Santillán.

'Se le entregará una placa ex profeso, con un pensamiento acerca de lo que significa el arte de Horacio Franco para la comunidad cultural', señaló.

En el acto se celebrará una ceremonia con la participación de varios artistas e invitados especiales, entre ellos, la soprano Regina Orozco y Héctor Infanzón, uno de los pianistas más reconocidos en México del género latín jazz y quienes, al final, deleitarán a los presentes con un par de obras musicales.

Horacio, dijo De Perete, es uno de los músicos que tiene carisma, un personaje que reúne todas las características especiales para conquistar al público y cuando un artista hace ésto y es un excelente músico, hay que reconocerlo y apoyarlo, como será el caso.

Abundó que el hecho de que el músico vaya a ser reconocido, es iniciativa de dicho Consejo de Cultura, conformado por artistas, gobierno local y autoridades de cultura del gobierno capitalino.

La intención de este Consejo Cultural es lograr la unión de esfuerzos para resolver problemas y establecer colaboraciones, el fortalecimiento de intereses comunes y, por ende, mejorar la ciudad a partir de entender la cultura, como eje transversal del desarrollo integral de la comunidad.

'Franco es lo mejor, es lo que está abarcando todos los sentimientos, el aplauso y el gusto por el público', agregó.

Reconocido como el mejor ejecutante de flauta de pico, Horacio Franco ha logrado expandir las fronteras de lo clásico, hasta el público joven y a las clases populares mexicanas.

El intérprete es uno de los más importantes activistas por los derechos de los homosexuales en este país, sin mencionar las obras de educación y beneficencia en las que ha trabajado en todo el mundo.

Recientemente, la sexta edición del Festival Internacional de Cine Gay lo reconoció por su destacada trayectoria artístico-musical y por ser icono de la cultura gay

El fmx Festival de México seguirá con su apuesta de ser vanguardista: Gerardo Estrada

Presentaron la programación de la 27 edición del encuentro la cual incluye propuestas alternativas y de vanguardia con los grandes exponentes de la cultura en el mundo


Se llevarán a cabo actividades del 10 al 27 de marzo en diversos recintos de la capital

Con el propósito de seguir apostando por las propuestas de vanguardia, el fmx Festival de México llega a su edición 27, la cual se llevará a cabo del 10 al 27 de marzo en diversos recintos del Distrito Federal. Al presentar la programación de este año, su director Gerardo Estrada destacó la inclusión de propuestas alternativas y de avanzada con los grandes exponentes de la cultura en el mundo.


“Es un programa muy amplio, ecléctico como siempre, atendiendo distintos intereses y niveles de público tanto en términos generacionales como de gustos. Yo estoy convencido de que los públicos han dejado de ser unidimensionales y que a quien le gusta Herbie Hancock le gusta también la ópera o la música de cámara y viceversa. Esto ha sido una ganancia generacional: tener públicos que ya no sólo se atienen a ver un tipo de espectáculo”, indicó el director general del fmx.

En la presentación de la programación del fmx Festival de México 2011 participaron también Fernando Serrano Migallón, secretario Cultural y Artístico del Consejo Nacional para la Cultura y las Artes (Conaculta); Elena Cepeda, secretaria de Cultura del Distrito Federal; Kenia López Rabadán, presidenta de la Comisión de Cultura de la Cámara de Diputados; así como Gloria Améndola y Evelin Ávila, representantes de las empresas patrocinadoras Telmex y Pepsi, respectivamente.

“Desde hace muchos años el fmx se ha especializado en buscar cosas que sorprendan. Después de una encuesta que hicieron los directivos del Patronato se descubrió que la gente identifica a este festival como de vanguardia, de búsqueda y por lo tanto están esperando que sucedan cosas novedosas, aunque sean clásicas pero interpretadas con una lectura de nuestro tiempo y creo que esto es muy significativo”, reveló Gerardo Estrada.
En su oportunidad, Fernando Serrano Migallón, expresó el apoyo irrestricto del Conaculta al fmx. “Ya son 27 años en los que la ciudad se engalana con este festival y estamos seguros que este año, con el esfuerzo que han hecho los organizadores y el nuevo director del festival, alcanzará una de las cuotas más altas que ha tenido”.


Elena Cepeda recordó que desde hace cinco años se propusieron llevan eventos artísticos del festival a todas las delegaciones de la ciudad y que así no estuviera solamente circunscrito al Centro Histórico. “Creo que lo hemos logrado y no solamente se ha podido colocar como el festival del Centro Histórico sino como un gran festival de la Ciudad de México”.

Kenia López Rabadán, presidenta de la Comisión de Cultura de la Cámara de Diputados, informó que este año dicha Comisión ha logrado establecer apoyos directos 525 proyectos en todo el país, de los cuales 67 son del Distrito Federal y el fmx es uno de ellos al recibir 8.5 millones de pesos del Presupuesto de Egresos de la Federación.

Sin embargo, precisó Gerardo Estrada, el presupuesto total del fmx Festival de México es de 19 millones para la programación y de 4.5 para la operación administrativa anual. Con ese presupuesto se llevarán a cabo un total de 58 actividades, estrenos y coproducciones en las artes escénicas, conciertos con artistas y grupos internacionales que vienen por primera vez a nuestro país, así como un atractivo programa multidisciplinario que va de la música a la animación.

En esta ocasión el Festival conmemorará el bicentenario del nacimiento de Franz Liszt (1811-1886), con un concierto en Bellas Artes y un recital en la Sala Nezahualcóyotl, que ofrece el pianista, compositor y director australiano Leslie Howard, considerado uno de los diez más importantes pianistas vivos en el mundo. Se trata del único pianista en el mundo que ha grabado toda la obra para piano de Liszt.

También destaca la participación de artistas como el ensamble italiano Accordone y su música del Renacimiento al siglo XVIII; el pianista, tecladista y compositor de jazz estadounidense Herbie Hancock, figura emblemática de la cultura del planeta que viene por primera vez a nuestro país; Pat Metheny Trio, quien regresa a México después de más de una década, ahora acompañado del baterista mexicano Antonio Sánchez. De Suecia llega José González con su grupo Junip, que también pisa por primera vez tierra mexicana; así como la participación del cantautor y multiinstrumentista estadounidense Andrew Bird.

El estreno del fmx Festival de México se llevará a cabo en el Palacio de Bellas Artes con el estreno en México de la ópera “Rusalka”, en una coproducción del Festival con la Compañía Nacional de Ópera del INBA. Se trata de la ópera más conocida del checo Antonín Dvořák, la cual será interpretada en su idioma original por la soprano sueca Elisabet Strid, en el papel de Rusalka, y el bajo Alexander Teliga como Vodník, bajo la batuta del griego Iván Anguélov, director concertador invitado, y la dirección escénica de Enrique Singer. El resto del elenco lo conforman experimentados cantantes mexicanos como el tenor José Luis Ordóñez.

Como una de las novedades está un ciclo de conciertos de música de cámara, con la participación del famoso violinista de origen ruso Philippe Quint como la cabeza creativa de este ciclo, para el que se ha diseñado un interesante programa con música de autores contemporáneos vivos, como Lera Auerbach, y de otros grandes compositores como Ástor Piazzolla, Samuel Zyman y Johann Sebastian Bach.

En lo que se refiere a las artes escénicas, destaca la presencia de Heiner Goebbels, director alemán, quien presentará su obra “Museo de las Frases” (Eraritjaritjaka) con la compañía suiza Théâtre Vidy-Lausanne y la participación del Quartett Mondriaan; una pieza basada en textos de Elías Canetti. Asimismo, se presentarán las puestas en escena “Hitler en el Corazón” de Noé Morales Muñóz, y “La piedra de la paciencia”, de Atiq Rahimi, dirigida y adaptada por Daniel Giménez Cacho.

En el terreno de la danza se presentan tres obras en las que participan, de España, el espectáculo de baile flamenco “La Edad de Oro” de Israel Galván; de Canadá, Sylvain Émard Danse con “El Gran Continental”, una obra coproducida por fmx–Festival de México, y Lux Boreal Danza Contemporánea, quien junto con BalletLab de Australia trae al Festival “Lamb”, del coreógrafo Phillip Adams.

En el área de la literatura, fmx Festival de México presenta a los escritores Soledad Puértolas (España), ganadora de diversos premios internacionales; y a Barry Gifford (EU), autor de más de treinta títulos en novela, cuento, poesía, crónica, biografía, teatro y guión cinematográfico.

En su 27 emisión, fmx Festival de México inicia Aural, un nuevo espacio para la música experimental con un nutrido programa de eventos, conferencias, talleres y conciertos, entre los que destacan Melvins, Earth, The Residents, Evan Parker e invitados y Text of Light, además del programado como parte de Exploración Aural, con Maja Ratkje, Kan Mikami, Aaron Dilloway y Manrico Montero.

Otras actividades musicales que tendrán lugar en el marco del Festival son Radical Mestizo, ciclo del Festival que promueve la música creada a partir de la fusión de tradiciones con alto contenido étnico multicultural; y XCéntrico, proyecto del Festival que lleva importantes actividades de la programación a foros y espacios al aire libre, fuera del Centro Histórico.

Animasivo, el espacio del Festival de México dedicado a la animación, llega a su cuarta edición en 2011 como una plataforma de difusión, gestión y diálogo en torno a la animación contemporánea en nuestro país. Este foro se inaugura con la presentación y premiación de los trabajos del Cuarto Concurso Internacional de Animación “Géneros: repensando los roles” y la exhibición de los trabajos comisionados a artistas franceses y mexicanos.

En la sección “Visionados”, durante cuatro días se presentará una interesante selección de cortos y largos animados internacionales, que no se han exhibido en nuestro país; además, como parte de sus actividades, se ha programado un Ciclo de Cine para Niños, conformado por largos de animación francesa para la infancia.

El Festival cerrará sus actividades con un concierto preparado por Radical Mestizo, a cargo del mexicano Toy Selecth y del grupo peruano Novalima. En la jornada final se conjuntarán 10 años de Sonidero Nacional (ritmos rurales de la cumbia colombiana-mexicana y el reggae) de Toy Selectah --ex de Control Machete--, con la música del colectivo Novalima, que fusiona las percusiones y el cancionero afro-peruano con beats electrónicos de dub, reggae, funk y ritmos latinos. Este concierto se llevará a cabo en el Claustro de Sor Juana.

Cabe destacar que dentro del Programa de Rescate y Restauración de Obras de Arte del Centro Histórico del Festival de México, se eligió por su relevancia artística y dificultad técnica, un Cristo de talla en madera policromada venerado en la Capilla del Cristo de la Expiración del Señor, en la plaza de Santo Domingo, donde luego de su restauración volverá a ser expuesto.

El fmx Festival de México es organizado por la Asociación Civil Festival de México en el Centro Histórico. Para su emisión 27 cuenta con el apoyo del Consejo Nacional para la Cultura y las Artes, la Comisión de Cultura de la Cámara de Diputados, la Secretaría de Cultura del Gobierno del Distrito Federal, la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM), a través de la Coordinación de Difusión Cultural, Canal 22 e IMER.

Preparan el segundo ciclo de Cine Bar-Bandas Sonoras

La iniciativa de la Cineteca Nacional de Conaculta Cine se presentará a partir del 22 de febrero en el Lunario, del Auditorio Nacional

Como una segunda etapa que da continuidad a uno de los ciclos más exitosos de la Cineteca Nacional de Conaculta Cine, definió Paula Astorga, directora del complejo cinematográfico, a Cine Bar-Bandas Sonoras, iniciativa que a partir del 22 de febrero ofrecerá los atractivos ingredientes de cine clásico, musicalización en vivo y la atmósfera íntima y bohemia del Lunario del Auditorio Nacional.



Paula Astorga dio a conocer algunos pormenores de las seis presentaciones que conforman el programa. Estuvo acompañada de los integrantes del Ensamble Swing Gitan, encargado de abrir el ciclo con la musicalización de La general, filme de Búster Keaton, realizado en 1927.


La directora de la Cineteca Nacional afirmó que Cine Bar-Bandas Sonoras representa la unión de la iniciativa Cineteca Va, cuyo objetivo es descentralizar la difusión de cine de calidad en sedes alternas a la Cineteca, además de los Martes de Cine Bar, exitoso ciclo que desde hace dos años se presenta en el Lunario del Auditorio Nacional.


Los integrantes de Swing Gitan, manifestaron su orgullo de abrir esta serie de presentaciones con uno de los clásicos de la filmografía de Búster Keaton, quien dirigió en su totalidad esta cinta, añadiendo su estilo de secuencias vertiginosas e hilarantes.


La agrupación fue creada ex profeso para presentarse en el ciclo Bandas Sonoras y está conformado por músicos de gran experiencia como los guitarristas Alfonso de la Torre y Alejandro Rojas Ugalde, así como el bajista y pianista Carlos Honc.


Con respecto a su aportación a la banda sonora de La general, coincidieron en que la cinta muestra una gran actualidad en su diseño montaje, adaptándose bien al estilo del ensamble que combina el jazz con diversos ritmos contemporáneos.


Paula Astorga celebró que a lo largo del año El Lunario se convierta en una sede alterna para mostrar lo mejor de la tradición del cine musicalizado en vivo.


“El 22 de marzo, Dr. Fanatik se hará cargo de la banda sonora del filme clásico Fausto, de F.W. Murnau, realizado en 1926. El 19 de abril los fans del legendario grupo Siouxsie & The Banshees, podrán disfrutar de la presencia de uno de sus fundadores, el bajista Steven Severin, quien musicalizará La sangre de un poeta, filme dirigido en 1930 por Jean Cocteau”.


Para el mes de mayo, anunció que el grupo Sax…Son, musicalizará en vivo Berlín: sinfonía de una gran ciudad, cinta emblemática del director Walter Ruttmann, realizada en 1927.


En el mes de junio la gran producción de Wallace Worsley, El jorobado de Nuestra Señora de París, será acompañado por las notas de los jóvenes violinistas contemporáneos de la agrupación The Skonek T, quienes fusionan música de raíces europeas con el punk y el lounge.


Para cerrar el ciclo, el 26 de julio, los integrantes de la agrupación jaliscience, Broker, musicalizarán una de las cintas clásicas del patrimonio cinematográfico de México, El automóvil gris, realizada en 1919.


“Sin duda un ciclo que atraerá a nuevos públicos a estas grandes películas y que permitirá a muchos conocer la experiencia de cuando en cada sala existían músicos para acompañar las proyecciones, estamos seguros de que al igual que en la Cineteca, esta iniciativa será muy concurrida por el público de diversas generaciones”, concluyó Paula Astorga.


Para mayores informes sobre el ciclo Cine Bar-Bandas Sonoras, consultar las páginas www.cinetecanacional.net y http://www.lunario.com.mx/

Eugenio Toussaint, el músico que quiso ser

Foto: Archivo EE

El gran pianista y compositor mexicano Eugenio Toussaint murió hoy víctima de un ataque cardiaco, a los 56 años, en la ciudad de México.

La noticia tomó a casi todos por sorpresa, aun a sus más allegados, quienes estaban al tanto de que Eugenio llevaba unas semanas delicado de salud, incluso con algunas visitas al hospital.

Toussaint no sólo fue uno de los principales exponentes del jazz en México, también fue un notable compositor de música de concierto y para conjuntos de cámara; de forma quizá menos protagónica pero nunca menos importante, fue también impulsor o apoyo de varios proyectos ajenos.

Así, en incontables veces abrimos un espacio en estas páginas para el músico. Su regreso al jazz como pianista con el disco El pez dorado, sus conciertos personales, con alguna orquesta, su trío, su gusto por el vino, el reencuentro de Sácbe; su presencia en el Festival de Jazz de Montreal o en la Riviera Maya…

También su participación, como arreglista sobre todo, en los discos de Armando Manzanero, Susana Zavaleta, el de Susana Harp y la Orquesta Sinfónica del IPN.

Cualquier pretexto era bueno para charlar con Eugenio Toussaint, a quien, por cierto, no era difícil encontrar en casi cualquier concierto de jazz que hubiera en la ciudad de México. Era muy fácil localizarlo por su elevada estatura y sus coloridos sacos.

El regreso al jazz

En una de esas ocasiones, en 2002, a propósito de la salida de su disco para piano solo El pez dorado, todo un hito en su carrera, Eugenio comentó: “De pronto me di cuenta de que no era el pianista que quería ser, ni el compositor ni el músico que quería ser, me faltaba el jazz”, dijo.

Acababa de pasar, comentó, una crisis similar a la que tuvo a mediados de los 80 al dejar la dirección musical de la orquesta de Paul Anka.

Como resultado de aquella crisis regresó a México y se dedicó a estudiar orquestación (sus primeros estudios formales ya que era esencialmente autodidacta), lo que le permitió componer y estrenar durante los 90 numerosas obras orquestales y de cámara, como Hijo de la ciudad, Popol-Vuh, Concierto para violoncello y orquesta #1, Danzas de la ciudad y Suite de las ciencias.

El resultado de la crisis de de 2002 fue que se puso tocar el piano “haciendo música también con las manos y no sólo con la cabeza” y grabó El pez dorado.

Poco después armó su trío con el que tuvo muchas presentaciones en vivo y volvió a sus orígenes: el grupo Sacbé con sus hermanos Fernando y Enrique, con quienes fusionaba jazz con la música popular.

Su segundo aire

Eugenio Toussaint era un tipo divertido. En otra entrevista, realizada en 2009, afirmó que el único título que podía presumir era el de...¡enólogo!
“Soy un borracho profesional... graduado […] A esta edad [52 años, a la fecha de la entrevista] o respiras tu segundo aire o te dejas ir a la tumba. Afortunadamente yo estoy en el primero y sigo creando muchas cosas”.

La entrevista se realizó por el 30º aniversario de Sacbé, con el que grabó los discos Sacbé y Selva Tucanera, distribuidos de forma independiente en México y los Estados Unidos.

El amor al vino fue una pasión para Toussaint y, a raíz de una serie de “catas musicalizadas” que impartió, le nació la idea de hacer un disco que combinara esos dos placeres bajo el nombre de Oinos, que ahora resulta ser su último proyecto discográfico propio.

Si bien su vida estuvo llena de éxitos creativos, no fue, digamos, coser y cantar:
“Algunos me dicen: 'Eres Eugenio Toussaint, seguro eres rico. ¿Qué problema puedes tener?'. Y no es así, durante estos años he tenido buenos momentos pero también altibajos, sobre todo en lo económico. Afortunadamente aquí sigo, siendo muy honesto con lo que hago y mientras tenga choya seguiré creando y experimentado como músico y ser humano”.

Y sí, eso hizo hasta el último de sus días.

Homenaje

Eugenio Toussiant es velado en la funeraria Gayosso de la Ciudad de México. Le sobreviven su esposa Alicia, sus hijos Jan, Adrián y Valeria, sus hermanos Enrique, Fernando y Cecilia y sus padres.

A más tardar en un par de meses, el Instituto Nacional de Bellas Artes, el Consejo Nacional para la cultura y las Artes y el Sindicato de Músicos harán un concierto homenaje en memoria de este gran músico mexicano.